STORIA / periodo classico

​A questa crisi rispose il librettista Pietro Metastasio (1698–1782) che propone la riduzione del numero delle arie (non più di una trentina), la diminuzione dei cambi di scena, una maggiore cura alla trama per arrivare ad una regolare alternanza dei personaggi psicologicamente più credibili e recitativi in eleganti versi sciolti.

Chi tentò invece di rinnovare radicalmente il melodramma diede vita a tre forme molto particolari: l’opera buffa, l’intermezzo e l’opéra–comique. 

L’opera buffa nasce a Napoli, prima in dialetto poi in italiano, all’inizio del '700. All’ideale dei personaggi metastasiani, qui si contrapponevano personaggi reali, concreti, e protagonisti di vicende più vicine alla vita quotidiana dell'epoca.

Al virtuosismo fine a se stesso vocale dei castrati e delle prime donne, l'opera buffa propone una presenza più articolata dei registri vocali e, al dominio dell’aria col da capo, l'inserimento di parti musicali basate su brani di insieme.

L’intermezzo è una breve rappresentazione, di solito comica, inserita nell'intervallo tra un atto e l'altro di uno spettacolo drammatico. Il protagonista di solito era un soprano o un basso buffo, tratteggiati secondo i criteri della commedie dell’arte o del teatro comico dell’epoca.

Il capolavoro del genere è La serva padrona di Giambattista Pergolesi (1710-1736) che scatenò in Francia la famosa la divisione tra i sostenitori dell’opera seria francese e quelli dell’opera buffa italiana, quest'ultima appoggiata dagli Intellettuali che la vedevano come una nuova forma di teatro borghese.

L’opèra-comique francese alterna parti musicate e dialoghi parlati, trae le sue origini da spettacoli di carattere popolare. Ebbe soggetti leggeri, avventurosi, sempre a lieto fine e con l’inserimento di scene che sappiano anche divertire il pubblico. Ad essa faranno capo le equivalenti forme dello singspiel tedesco, della ballad opera inglese e della zarzuela spagnola.

In tutto questo contesto si inserisce l’opera di Christoph Willibald Gluck (1714-1787), il sostenitore della più importante riforma del melodramma.

Egli attacca gli abusi dell’opera seria, gli eccessi del virtuosismo vocale, la struttura a recitativi e arie nettamente divisi e rivendica all’ouverture strumentale, o sinfonia d'inizio, la funzione di preparare il clima musicale dell’opera. Propone inoltre semplicità e chiarezza, una naturalezza che punti sul linguaggio del cuore, sulle passioni forti e su trame e personaggi meno scontati.

Egli Inizia propriamente la sua carriera come vice maestro di cappella alla corte degli Esterhàzy (Boemia oggi Slovacchia) e dal 1766 diventa il principale responsabile di tutta la vita musicale della corte. Il principe Nicolaus tenne nei confronti del compositore un atteggiamento di protezione ed amicizia, aperto e tollerante.

Ebbe a disposizione una ottima orchestra e provvide alla musica sinfonica e da camera, all’allestimento di opere italiane (sia proprie sia altrui), alla musica di scena per i drammi teatrali e alla musica sacra. Alla morte di Nicolaus, nel 1790, si stabilì a Vienna, e subito dopo in Inghilterra, per poi tornare alla corte boema.

Alla corte degli Esterhàzy, Haydn era al centro delle suggestioni culturali dell’epoca e durante i vent’anni a corte compose una sessantina di sinfonie che rappresentano, insieme ai quartetti, il documento più significativo delle sua creatività musicale. 

Se in precedenza la sinfonia era considerata sussidiaria della musica vocale, Haydn ne fece una forma di sempre maggior peso, lunghezza e complessità, al punto da elevarla a forma strumentale centrale del repertorio concertistico.

Il classicismo mozartiano non era certo un qualcosa di ingenuo, ma si basava su precise e consapevoli scelte estetiche e ideologiche; le sue composizioni sono spesso solcate da ombre profonde, da vertiginose inquietudini di stampo pre-romantico.

Quanto Mozart scrive, a proposito del Don Giovanni, in una lettera al padre è utile a fare capire quale sia l’aspetto discriminante di tutta la sua musica: "...le passioni non devono mai essere espresse in modo tale da suscitare disgusto e la musica anche nelle situazioni più terribili non deve mai offendere l’orecchio, non deve mai cessare di essere musica".

In campo sinfonico produsse una cinquantina di sinfonie tra di loro assai diversei. Dei concerti ne contiamo sette per violino e ventiquattro per pianoforte, oltre a svariati per flauto, flauto e arpa, fagotto, e corno). Ad una cinquantina ammontano i brani orchestrali, come le serenate (Piccola serenata notturna), i divertimenti e le danze.

Un momento fondamentale della composizione mozartiana è costituito dalla musica da camera. Comprende 23 quartetti per archi, 9 quintetti, 46 sonate per violino e una imponente raccolta di composizioni per pianoforte che porteranno lo strumento a ruolo di protagonista assoluto del successivo Romanticismo.

Nasce a Bonn, nel 1770. Non fu un vero e proprio fanciullo prodigio, ma presto dimostrò originali attitudini musicali. Si trasferì presto a Vienna, dove però, differentemente da Mozart, non ebbe facili rapporti con Haydn, di cui fu allievo. A Vienna Beethoven si distinse subito come esecutore pianistico, e rimase nella capitale fino alla morte, nel 1827.

Dal 1795 si manifestano in lui i primi sintomi della sordità, che lo renderanno completamente sordo nell’ultimo decennio di vita. La sordità influì pesantemente sul carattere già di per sé scontroso di Beethoven. L’handicap non influì comunque sulla sua produzione e sulla sua fede nei valori positivi di una vita, pur tuttavia costantemente animata da una forte tensione morale.

Anche se i suoi ideali affondavano le loro radici nell’Illuminismo, egli si sentì parte dei fermenti preromantici, dimostrandosi sensibile alla ideologia rivoluzionaria francese, di cui però non condivise mai gli eccessi. Fu un artista che rivendicò sempre con decisione la sua posizione di libertà e di autonomia da signori e mecenati nelle sue scelte artistiche.